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Octubre 2009
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Inauguración de la curaduría: Disidencia. Non places & Device Art (primer desacuerdo)

Texto de la curaduría

Pieza Documental // MAQUILÁPOLIS

Vicky Funari y Sergio de la Torre

Somos artistas con la creencia de que el arte participa en un diálogo cultural relacionado con el cambio social y la justicia. Nuestro trabajo está basado en nuestras propias experiencias: Vicky es una ciudadana estadounidense que se crió en cuatro países y seis ciudades, incluida la ciudad de México. Sergio es un ciudadano mexicano-estadounidense que se crió en Tijuana; más tarde, inmigró al área de la Bahía de San Francisco. Nuestro proyecto fílmico Maquilápolis es parte de nuestras continuas investigaciones sobre la migración, el género, el biculturalismo y la clase obrera. Iniciamos el proyecto en el año 2000, invitando a unas trabajadoras de la maquila en Tijuana y a organizaciones comunitarias de ambos lados de la frontera México-Estados Unidos para colaborar en una película que represente la globalización a través de los ojos de las mujeres que viven al margen de ésta. Las trabajadoras que aparecen en Maquilápolis [city of factories], han participado en todas las etapas de la producción, desde la planeación, el rodaje y la narración, hasta la difusión. Queríamos dedicarnos a un proceso de colaboración que rompiera con la práctica documental tradicional de llegar a un lugar, filmar y marcharse con el “material”, lo cual repetiría el patrón establecido por las mismas maquiladoras. Hemos tratado de fusionar el arte de la cinematografía con el desarrollo comunitario, y de asegurar que la voz de la película sea realmente la de sus sujetos. Aun cuando los filmes rara vez efectúan cambios concretos y significantes en el mundo, son herramientas muy poderosas: abren la mente y suscitan el diálogo, son precursores necesarios e ingredientes de la acción. Uno de nuestros más grandes placeres ha sido ver cómo esta película ha creado conciencia, ha despertado emociones y experiencias en el público, y cómo el proceso abrió nuestras propias mentes y corazones. Esperamos que por medio de esta cinta y su guía de discusión, el público llegue a comprender su íntima relación con Tijuana, con Carmen, con Lourdes y con las demás trabajadoras de las maquilas. Buscamos que ambos lados de la ecuación producción-consumo comiencen a reconocerse como ciudadanos globales en lugar de simples productores y consumidores. Deseamos que la gente entienda que los tratados de libre comercio hechos según el patrón del TLCAN no benefician a las masas populares sino a unos cuantos, y que la manera de combatirlos es apoyando causas como las del Colectivo Chilpancingo, CITTAC y otras ONG’s que se organizan para cuestionar y resistir ante el lado oscuro de la globalización. Nuestro objetivo es que se inspiren para tomar parte, que actúen para que el trabajo de las mujeres como Carmen y Lourdes pueda lograr cambios siempre mayores para el bien común, en Tijuana y alrededor del mundo

Instalación interactiva // ANOTHER DAY

Paúl Ramírez Jonás

Creo así como hablo Siempre me he considerado un simple lector de textos. El texto preexistente puede ser cualquier cosa que me sirva de punto de partida: un diario, un plano, una fotografía antigua, un sendero, una partitura, etcétera. La lectura puede tomar la forma de un performance, una escultura, fotografía o video. Así, una partitura puede resultar en una escultura, una bitácora de viaje en un video, los planos para un artefacto volador en una fotografía. Por lo tanto, lo que en mis obras parecieran inventos no son otra cosa que representaciones y lo que pareciera un acto de exploración no es más que caminar sobre las pisadas de alguien más. No obstante, como un músico tocando a partir de una partitura, o un actor escenificando una obra, la preexistencia de un texto no excluye pasión, entusiasmo, humor y nuevos significados. La lectura es un acto creativo y libre. ¿No es verdad que como lector tengo más en común con el público que con el autor? Esta cercanía me inspira al trabajar con materiales dados. Éste fue el fundamento de mi obra en los noventa. Todavía trabajo a partir de una premisa tan sincera. Sin embargo, he notado que mi papel de lector privado se ha transformado y ahora invito al espectador a unírseme. El resultado de este cambio proviene de reafirmar un contrato entre la obra y su público. Este contrato estipula que las obras están aquí para ellos (para ti). Tienes que dar para recibir, la obra te necesita: incluso si sólo le das un centavo, un deseo, una meditación o el permiso para reproducir una de tus llaves. En este sentido, Another Day (3 monitores) 2003, está conformado a partir de las pantallas de llegadas y salidas de aeropuertos y estaciones de tren. Registra el amanecer en noventa ciudades alrededor del mundo. Las ciudades elegidas están espaciadas a lo largo de los cuatro meridianos. La pantalla hace recuentos de un amanecer a otro, cuando el sol sale en la primera ciudad de la lista, el conteo se detiene, esa ciudad desaparece y la lista se actualiza.

Pieza robótica // TRANSLATOR II: GROWER

Sabrina Raaf

Mis obras buscan elevar la conciencia de la gente sobre el espacio que comparten, así como la particularidad de su experiencia en éste. Las formas que creo se inspiran en innovaciones en arquitectura móvil, sostenible y modular, así como en procesos artísticos generativos. Desde hace tiempo me apasionan espacios como Dymaxion House de Buckminster Fuller, lugares diseñados para moverse de manera mecánica o para transmutarse en pleno vuelo y reacomodar sus distintas funciones, necesidades o habitantes. Estos diseños me inspiraron a realizar interacciones creativas, instalaciones motorizadas capaces de “leer” su ambiente por medio de dispositivos sensoriales y de responder alterando sus propios elementos sonoros, de iluminación y físicos. Mis instalaciones pueden percibir distintos niveles de actividad, la escala del espacio y el movimiento humano; a cambio, llevan un registro de la vida en ese espacio contenido. Sus registros amplifican cualquier evidencia de cambio en ese espacio, ya sea una mutación rápida y transitoria o más gradual o evolutiva. Mi interés radica en inventar nuevas formas en las que los ambientes generativos y receptivos pueden poner información útil e intensa a disposición de una comunidad. Un ejemplo de este tipo de trabajo es Translator II: Grower, (2004-6, v2). Esta obra es un pequeño vehículo nómada que navega alrededor de la periferia de una habitación, se pega a las paredes de ésta y como respuesta a los niveles de dióxido de carbono en el aire, dibuja pasto de diferentes tamaños con tinta verde en las paredes. El robot Grower recibe estas lecturas de dióxido de carbono (CO2) por medio de una señal inalámbrica transmitida desde un sensor de CO2. El número de personas en ese lugar que están inhalando oxígeno y exhalando CO2 tiene un efecto inmediato en el efecto del sensor. Mi robot toma una lectura de los niveles de CO2 conforme pasan algunos segundos y como respuesta, dibuja una línea vertical con tinta verde en la pared. La altura de la línea está relacionada con el nivel de CO2 y por lo tanto, con la confluencia de personas en el espacio. Mientras más CO2 encuentre, la línea que dibuja será más grande. Una vez que el Grower termina de dibujar la línea, avanza algunos milímetros y repite el proceso. Al final de una exposición, las paredes de dicho espacio están cubiertas de finas líneas verdes que en conjunto se asemejan a un pastizal. La visión metafórica es que el pasto necesita del CO2 para crecer. Aquí, mi pasto necesita del aliento humano o del tráfico espacial. Por lo tanto, esta pieza representa la dependencia que tienen las instituciones artísticas de sus visitantes para ser espacios “saludables”, propicios para el desarrollo de nuevo arte.

Instalación // I THINK I GOT IKEA’D: Finish Fetish, Code and Culture

Carlos Rosas

I think i got ikea´d: Finish Fetish, Code and Culture, así como Step and Repeat Cycles: Location, Media, Remix Series, constituyen trabajos creados con nuevas tecnologías y son la continuación de una investigación de dieciséis años en torno a las técnicas, mecanismos y sistemas relacionados e implicados con la tecnología. Ésta manifiesta los efectos que nuestra cultura, cada vez más consumista y digital, tiene en la sociedad. Un tema recurrente en esta obra es que la eficiencia y la prontitud no se traducen necesariamente en mejores condiciones, al menos no sin sacrificar algo. Al mismo tiempo, el proyecto busca demostrar que las preferencias y los gustos moldeados por las grandes corporaciones según las ganancias que éstas puedan generar, a partir de la cultura consumista, se refleja en deseos y necesidades “creados”; asimismo, exhibe cómo la tecnología y los medios son cómplices en la tendencia global de aplastar la identidad cultural. Esta obra proviene de mis intereses e investigaciones sobre: 1) tecnologías locativas, informáticas ubicuas como software cultural; 2) automatización y variabilidad; 3) teoría del juego, determinismo y procesos generativos; 4) autoría y edición con tecnologías remotas. Las obras cargadas conceptualmente con medios electrónicos buscan registrar las ironías, desplazamientos, valores cambiantes, economías y sistemas: las transformaciones de los “emplazamientos” específicamente, dan cuenta de la propia identidad, el sentido de lugar y propósito en translación.

Instalación // Fórmula Anemófila para arte computacional (2007)

Owen Mundy y Joelle Dietrick

Owen Mundy y Joelle Dietrick colaboran a menudo, al mismo tiempo que desarrollan corpus individuales de trabajo. Aunque sus colaboraciones abordan diversos temas, sus obras de arte suelen alentar e involucrar el recurso a públicos no tradicionales. Lo mismo que Fórmula Anemófila para arte computacional, muchos de sus proyectos reflexionan sobre un nuevo entendimiento del lugar. Inspirados por la Fórmula para arte computacional de Jim Campbell y por el mar de polen que se forma cada año en Tallahassee, Mundy y Dietrick crearon una animación generativa que hace referencia a nuevas formas de polinización cruzada y reuso. Intencionalmente meditativo y estéticamente agradable, el formato parodia el arte computacional que sencillamente crunchea números para crear formas inútiles. Las cifras diligentemente registradas del Instituto Nacional de Alergias guían la animación por un sendero predecible y que contrasta con el caos de la vida cotidiana. El proyecto pone en cuestión nuestra obsesión por cartografiar la naturaleza, como si conseguir su sublimidad fuera esencial para encontrar satisfacción de por vida.


DEVICE ART

Instalación // MUSICAL KETTLE

Yuri Suzuki

Musical Kettle trata del deseo de contribuir al diseño de sonidos domésticos producidos por alarmas, teléfonos celulares, timbres, etc. Suzuki señala que no se ha dedicado suficiente reflexión en torno a los ruidos que producen estos artefactos. La tetera musical es parte de una serie orientada a rediseñar nuestro paisaje sonoro. Cuando hierve, silba su melodía favorita.

Instalación // FLYER PAPER PIANO

Nova Jiang

Flypaper piano replantea el empleo del papel atrapa moscas, artículo de uso doméstico, como forma de notación para crear una composición aleatoria. Una serie de sensores colocados en un piano interpreta el cuerpo de cada mosca muerta como una nota musical. Dependiendo de la posición relativa de los insectos en la trampa, se produce una correspondencia con una nota musical que es percutida en un instrumento de juguete. Así, cada vida es reducida individualmente a una nota musical para crear una melodía. Los cambios en ésta evolucionan en relación con el número de moscas que se acumulan en el papel. Se trata de una máquina musical autograbadora en la cual la melodía es coreografiada por el paso del tiempo y la posibilidad de que los insectos caigan en el papel, donde a pesar de que existe un sistema construido específicamente para el caso, se deja un espacio azaroso al entorno. Sin embargo, el dispositivo es más que un experimento que se presenta en foros abiertos de música, pues explora la naturaleza paradójica de la infancia donde el juego y el sadismo coexisten con frecuencia. Actúa como una metáfora de la violencia implícita en el ámbito doméstico donde diversos sistemas de control son reforzados. La casa es un sitio donde regularmente se exterminan las plagas y los niños son disciplinados. Flypaper piano es un sistema en el cual se ponen en juego de manera simultánea la crueldad y el entretenimiento; la pobreza y el exceso; lo funcional y lo absurdo. Es un experimento científico emocional y metafórico, una máquina idiosincrásica que evoca la perspectiva infantil de la muerte, suspendido entre la comedia y el pathos.

Objeto // ORÁCULO SOVIÉTICO

Ariel Guzik

El oráculo soviético de todos los tiempos

Ingenieros soviéticos de mediados del siglo XX desarrollaron, durante la carrera aeroespacial, unos pequeños tubos de cristal con gas dentro que desplegaban números arábigos mediante descargas anaranjadas y rosadas de neón. Este reloj es un homenaje a aquellos ingenieros y a la poesía eléctrica que practicaban en su tiempo. Los bulbos de cristal de este instrumento permanecieron escondidos en pequeñas cajas de cartón a lo largo de medio siglo. Ahora, reviven abducidos de su tiempo gracias a los circuitos de la tecnología moderna. Aquí presentamos un reloj de azar configurado como pequeño oráculo en el que, mediante un par de controles, puede programarse la dirección, el avance y la congelación de un contador de tiempo acoplado a un generador de fórmulas arbitrarias derivadas de una fuente de caos. Si el instrumento fuese interrogado de forma continua durante mil años, muy probablemente se convertiría en una suerte de oráculo soviético.

Pieza robótica // BUSCANDO AL SOL (Euphorbia fotomotriz)

Gilberto Esparza

La obra se compone de una especie de vegetales robotizados —suculentas pertenecientes a la familia de las plantas nómadas, y caracterizadas por su naturaleza híbrida a medio camino entre el vegetal y la máquina. Estas especies son producto de procesos evolutivos de adaptación a un entorno transformado por la actividad humana. Se trata de un organismo que ha desarrollado un sistema locomotor de supervivencia para buscar la luz solar. Su sistema de movimiento le da la posibilidad de permanecer en territorios iluminados, escapando constantemente de la sombra. Esto le permite expandir el aprovechamiento de la energía aportada por el sol, que el organismo captura a través de hojas orgánicas e inorgánicas para hacer sus procesos fotovoltaicos y de fotosíntesis —alimentando tanto su parte vegetal como su sistema motriz. Las suculentas tienen un historial evolutivo de adaptación a entornos hostiles por aridez y sequía. Modificando la condición anatómica de sus hojas, tallos y/o raíces, han logrado mantener reservas de líquido para sobrevivir en entornos casi inhabitables. La necesidad de adaptación a condiciones de poca iluminación solar ha forzado a algunas especies de suculentas a modificar su naturaleza constitutiva, convergiendo con otras especies vegetales, en la familia de las nómadas. El desarrollo evolutivo de estas extrañas criaturas está marcado por su relación con entornos humanos.

Artistas: Sabrina Raaf, Paul Ramírez Jonas, Carlos Rosas, Vicky Funari, Sergio De la Torre, Joelle Dietrick, Owen Mundy, Yuri Suzuki, Nova Jiang, Ariel Guzik y Gilberto Esparza
Curaduría: Machiko Kusahara y Eduardo Navas

1 de Octubre, 2009
20:30
Lugar: CENART/Galería "Manuel Felguérez"/Galería AB/Área de Camerinos